Historical Markets in London Vs Seoul
런던과 서울의 '전통 마켓',
레든홀과 인사동은 서로 어떻게 다를까?

April, 25 2015

(Left) 런던 레든홀 마켓 LeadenHall Market, UK , copyright © http://bit.ly/19gvYzP  (Right) 서울 쌈지길 Ssamzigil Market, Korea, copyright © http://bit.ly/1aZDDUI

Last week, I walked from Elephant & Castle to Shoreditch and stopped by few touristy places. (It was raining quite heavily and I did not have an umbrella — and I walked almost like an hour… I think I was insane…) It was horribly tired day, but still I found interesting places in London — LeadenHall Market. Its historic architecture and uniformed design of every store inside the market building reminded me of Korean market street called In-sa-dong. I would like to introduce both markets to you all.

지난주에 엘리펀트 앤 캐슬(Elephant & Castle)에 위치한 학교에서부터, 걸어서 한 시간 정도 걸리는 쇼디치(Shoreditch)를 중간중간 들릴 곳을 정해놓고 걸어서 갔다. 비도 오는 날에 정신 나간 채로 모자 하나 달랑 쓰고 말이다. 그래도 나름 그 날 보려고 했던 것은 다 보았으니 목적달성.!
이 날 잠시 들리게 되었던 런던의 역사 깊은 영국의 전통 마켓, 레든홀 마켓(LeadenHall Market). 이곳은 특히 한국 인사동을생각나게 하는지라 가장 기억에 남는다. 그래서 오늘은, 이 두 장소가 얼마나 비슷하고 또 다른지, '비교 포스팅'을 한 번 남겨보려 한다.

 

Do Any Harry Potter Fans Recognize These Movie Scenes?
         혹시 영화 해리포터에 나온 이 두 장면을 기억하시나요?

These specific scenes about Diagon Alley (top) and Leaky Cauldron Pub (bottom) were filmed at LeadenHall Market. Although now there are different stores in the same spot, doesn’t this already motivate you to visit here?

해리포터의 다이아곤 앨리(Diagon Alley)와 리키 칼드론 펍을(Leaky Cauldron Pub) 촬영한 곳이 바로 레든홀 마켓(LeadenHall Market)!
지금은 촬영한 장소에 다른 가게들이 생긴 것으로 알고 있지만, 그래도 방문할만한 가치가 있는 아름다운 마켓이다. "특히 해리포터 팬이라면 조금 당기지(?) 않나요?"


 


 

Here Comes the Photos of Recent Shapes of Leadenhall Market!

여기서부턴 레든홀 마켓의 뜨끈뜨끈한 최근 모습!

(Above) LeadenHall Market Entrance & Inside, copyright © http://bit.ly/1Er6sWN

(Above) These two sculpture on the ceiling seemed like a part of arts projects in London 2014. “Time here becomes space, space here becomes time” —
they go along quite well with this historical marketplace.

천장에 쓰여져 있는 문구 장식은 2014년에 진행되었던 런던의 아트 프로젝트에 일환인 것처럼 보인다. 

“이 곳의 시간은 공간이 되며, 이 곳의 공간은 시간이 된다.” 깊은 역사를 담은 전통 마켓에 굉장히 잘 어울리는 문구다.

Two pictures above are my favorites pictures of LeadenHall Market !! Not so sure why all the books are hanging right there.. Does anyone know about it??? Please leave a comment if you do!! The reason why LeadenHall Market reminded me of In-sa-dong place in South Korea, was its uniformed style of stores, as shown in the bottom photo. They prioritized the image/brand of LeadenHall Market to the stores’ individual characteristics — which makes LeadenHall Market more special and distinct, I believe. It is bit sad that stores that cannot promote in their own ways, but this kind of design makes the identity of LeadenHall Market much more clear.

레든홀 마켓에서 찍은 사진들 중 최고로 좋아하는 사진 두 장! 저 책들은 무슨 연유로 저렇게 길을 장식하고 있는지는 모르겠다. "아는 분들은 코멘트 꼭 달아주세요!"
레든홀 마켓을 보고 인사동을 떠올린 가장 큰 이유 중 하나는 두 번째 사진처럼 '통일화된 가게 간판 디자인'이다. 이런 방식으로 레든홀은 가게 각각의 개성을 죽이기는 했지만
마켓 전체의 브랜드를 살렸다. 역사적이고 오래된 마켓의 전통과 어울리게끔 가게들의 디자인을 싹 다 바꿔놓았다. 개인적으로는 이런 방식이 레든홀 마켓을 더 고유하고 특별하게 만드는 것 같아서 마음에 든다.


 


 

Then, what is its similarity with Insa-dong? 

그렇다면, 인사동은?

Ssamzigil Market Entrance, Insa-dong, Seoul, Korea Copyright © http://bit.ly/1aZDDUI

In South Korea, there’s a similar street marketplace in which every store can only use Korean, instead of English, which has become a common language used in store signs. Honestly, I think this Korean sign movement should spread out more and more !! Also, from their exterior appearances, LeadenHall Market and In-sa-dong both look like they try to preserve the places in their own ways — almost like a planned street/area as part of urban planning. 

한국인들이라면 다 알겠지만, 인사동은 가게 간판들이 다 한글로 쓰여있는 것으로 유명하다. (적어도 한글이 영어보다 커야 한다는). 외래문화의 영향으로 영어 간판이 도배되고 있는 시기에 한글간판 운동은 사람들에게 신선하게 다가왔으며 전통문화에 대한 자각심도 함께 부여해주었다. 외관적인 것만 비교해 보아도, 레든홀 마켓과 인사동은 마치 계획도시처럼 그들만의 형태/디자인을 고수하려고 하는 것이 보인다. 

Store Signs at Insa-dong, Seoul, Korea copyright © http://bit.ly/1aZDDUI

(Above) Bukchon village, Seoul, Korea © http://bit.ly/1aZDDUI

This last photo is a bonus photo of Korean traditional village, called Bukchon village, right next to In-sa-dong. If you are traveling Seoul, this is MUST-VISIT-SPOT like "must must must - cannot stress more. 

Please visit here if you are interested in looking up more photos of this Korean market place and traditional Korean village. Another blog in second link has more photos of Korean signs in In-sa-dong. 

SOSUN'S FEED
LeadenHall Market has its long history (since 1300 and it even survived Great Fire). Specific details about its history as a market can be found here. In-sa-dong also has a very long history. (Check out this website! You can select English on top right corner.) Summary of history : In Chosun dynasty (one of Korean traditional kingdoms, 1392-1910), governmental arts department was located in In-sa-dong, so there were lots of popular artists living and working here. When Japan colonized Korea, many upper classes who lived in Bukchon area lost their jobs and money; then, In-sa-dong became like a marketplace selling their antique furnitures and valuable possessions. After colonization, many artists gathered in this place and opened galleries — this attracted other people to open traditional tea cafes and restaurants as well. A lot of must-visit places in UK are historical spots. I honestly respect how much UK cares about its history and about preserving its own identity. South Korea should learn this attitude & policies that respect and preserve one’s own traditional culture. In-sa-dong and Bukchon village would be two of the best examples that try to preserve Korea’s own identity among street marketplaces. Bukchon village has a lot of Korean traditional houses, called Han-Ok. You might be able to go inside of few of them and most restaurants, cafes, and galleries in this area also maintained traditional Korean styles. Hope these kinds of traditional marketplaces are preserved by every government in the world, and especially in South Korea

레든홀 마켓의 역사가 생각보다 굉장히 오래되었다. 1300년대부터 시작해서 런던의 화재도 이겨내고 다시 살아난 마켓. 음식 재료를 파는 마켓이었다가, 옷 자재를 파는 마켓이기도 했다가, 이래저래 역사와 함께 많은 과정을 겪어간 레든홀 마켓을 잘 보존하려는 자세가 굉장히 영국답다는 생각이 든다. 사실 영국/런던에서 방문해야 한다는 곳들을 보면 역사적인 곳들이 정말 많다. 영국 사람들은 '메이드 인 영국''에 대한 자부심이 굉장하다는 현지 친구의 말이 정확하다는 걸 하루하루 실감한다.  그런 자세가 한국을 비롯해 많은 나라가 배워야 하지 않을까 싶다. 계속해서 '글로벌 시대' 라고 강조하며 해외에서 수입만 하려 하며 정작 우리나라만의 전통문화, 역사 등이 담긴 고유의 것들의 가치가 희석되는 것 같아 안타까울 때가 많다. 레든홀만큼 오래된 역사를 가진 인사동이 그래도 잘 유지되고 있는 것 같아 다행스런 마음이지만, 앞으로도 곳곳에 숨어있는 우리나라만의 흔적이 담긴 지역들이 우선으로 보존되었으면 하는 간절한 바람이다. (옛말에 "무조건 우리 것이 좋은 거여!" 라는 말이 있듯이.) 

 

 

By So Sun Park
KANA EU Correspondent
(영국=KANA) 박소선 특파원

sosun.kana@gmail.com
sosunnyproject.wordpress.com

Editor: Yein Kwak ㅣ 곽예인 <yein.kana@gmail.com>

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AuthorKA NA

2015 Nice Carnival, France
전세계 문화∙예술의 축제, 프랑스 '니스' 카니발

April, 4 2015

Visited Nice Carnival with my high school friend and it was the best trip I’ve ever had.  

고등학교 후배와 함께한 프랑스 니스 여행, 여행 파트너부터 시작해서 해변, 음식 도시의 곳곳마다 완벽하지 않은게 없었다.
그야말로 "정말 최고" 였던 이상적인 여행! 이번 포스트는 특별히 전세계인들이 함께 모여 문화∙예술 축제의 장을 펼친 '니스 카니발' 에 다녀온
짧은 후기이다. 부족한 사진실력이지만 현장 속의 활기와 흥분을 최대한 담아보려고 노력해보았으니 재미있게 읽어주시길!

 

1. International Parade: This year's theme was MUSIC and dancers and performers from various African, South American, and European countries came to participate in the carnival. (Sadly not many asians, but Psy’s world-famous songs Gentleman and Gangnam Style were endlessly played). It was very exciting to see Korean travellers wearing Han-bok, our traditional costume.

1. 인터네셔널 퍼레이드: 올해의 테마는 '음악', 이곳에서 아프리카 남미, 유럽 등등의 나라의 음악 및 댄스들을 볼 수 있었다. 아시아 음악이 없어 많이 아쉬웠지만, 전세계를 '강남스타일'로 물들인 싸이의 노래들이 '무한 반복' 되어 신나고 자랑스러웠다! 한복입은 한국 관광객들도 만나게 되었는데 어찌나 반갑던지! (이래저래 애국심 폭발)




 

2.  Old People & Young Kids : Everyone had a given role to participate. No one was excluded. Old people were driving Carnival cars and handling massive balloons. Young kids were dancers/leaders/fairies of the Carnival. They were standing on the sides of huge Carnival cars and scattering confetti (or throwing them) to people.

     2.  노인 + 아이들의 적극적인 참여 : 모두가 각자의 역할을 가지고 있는 것이 보기 좋았다. 노인분들은 대부분 카니발 차를 운전하시거나, 대형 풍선들을 다루는 일을 하고 계셨다. 아이들은 카니발 차에 올라타 춤도 추고 종이들을 흩뿌리며 사람들을 반겼다. 마치 카니발의 요정들 같았다.

Me and my friend were quite impressed how Nice Carnival conferred appropriate/manageable role to people to involve them. I am not sure if they are paid or not; if they are paid, a very nice employment opportunity for retired people. If not, well, such system still creates community bonding effect and makes an inclusive carnival.

니스 카니발이 적당한 일을 적정한 나잇대의 사람들에게 수행하게 하는 것이 똑똑해 보이기도 했고 인상적이었다. 다 같이 함께하는 카니발이란 이런 것이구나 느낄 수 있었다. 돈을 받고 하는 것인지 아닌지는 모르겠지만 좋은 노인 고용창출의 기회 같아 보였다. 설령 돈을 받지 않는다 하더라도, 퇴직하신 분들이나 노인분들이 지역사회에 더 참여해서 소속감을 느끼게 해주는 것은 좋은 사회를 향한 '똑똑한' 발걸음이라 생각한다.

 

3.  Handicapped people : They were also part of Nice Carnival as same as other people. We saw some of them were driving Carnival cars and walking down the parade with others. This was very very impressive. In Korea, it is quite hard to imagine this happening, yet. Giving opportunities to handicapped people to officially work and participate in one of the TOP 3 carnivals in the world? Sounds amazing.

    3.  장애우 : 장애우분들도 니스 카니발의 중요한 부분이었다. 그들도 다른 이들과 똑같이 함께했다. 퍼레이드 진행자 중에도 다른 사람들과 스스럼없이 섞여서 거리를 행진했고 카니발 차를 모시는 분들도 계셨다. 장애우라고 차별하지 않고 할 수 있는 일들은 맡기거나 함께 할 수 있다는 것을 아주 잘 보여주었다. 한국이라면 약간 상상하기 힘들기에 그분들의 카니발 참여를 보며 많은 걸 느꼈다.


4.  Artists and Entertainers : We saw a lot of musicians, performers, dancers, and circus people. My friend jokingly said that Nice Carnival should be a great opportunity for artists to work. But it’s TRUE. Such festival is utilizing human resources very efficiently. Not just about employment opportunity : artists should participate in these public social events more and more. Artists desperately need society’s support and attention. They should not be hungry. Arts constructs culture, and culture fulfills the society. More societies/communities should work with their artists!

     4.  예술가들 : 다양한 나라, 다양한 춤, 다양한 악기. 너무나 많은 예술가가 필요한 카니발이었다. 내 후배는 장난식으로 예술가들의 고용창출에 엄청나게 좋겠다고 했지만, 사실이다! 어딘가에서 일거리를 찾고 있었을 예술가들에게 이런 축제는 얼마나 좋은 기회이겠는가. 예술가들이라고 항상 배고프고 일상생활의 사람들과 단절되는 게 아니다. 그들도 사회의 일부이고, 예술가들이야말로 사회의 후원이 적극적으로 필요하다. 예술이 풍성해야 문화 수준이 올라가고 사회 분위기도 훨씬 즐거워질 수 있다고 본다. 예술가들과 사회의 더욱 적극적인 '연결고리'가 절실하다.


By So Sun Park
KANA EU Correspondent
(유럽=KANA) 박소선 특파원

sosun.kana@gmail.com
sosunnyproject.wordpress.com

Editor: Yein Kwak ㅣ 곽예인 <yein.kana@gmail.com>

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AuthorKA NA

From Storage to Public Artspace : 
Spike Island, UK vs. Hong-dae(홍대), Korea

March, 6 2015

WE went to same high school in Korea and met again in London! 
It is always exciting to meet high school friends again after graduation (#throwback!), especially when we are in similar industry/field. After 3 years, I became
Theatre & Media student in NY and he became a Fine Arts student in London. We went to Iniva and Barbican together as he recommended the ongoing exhibitions there; and during our conversations at Pizza Express after a long long artsy day, he told me about his visit to Bristol.

함께 고등학교를 다닌 친구와 정말 오랜만에 런던에서 상봉했다!
고등학교 친구를 대학생이 되어 만나는 건 언제나 설레는 것 같다. 졸업 후, 나는 뉴욕에서 연극/미디어를 전공하는 학생이 됐고 친구는 런던에서 순수미술을 하는 학생이 되어 있었다. 런던에서 만난 날, 친구의 추천으로 함께 이니바와 바비칸 전시를 보았다. (이니바 전시 후기는 앞 포스팅에 있으니 꼭 확인해보시길!) 그렇게 예술 돋는 하루를 보낸 후 피자 익스프레스에서 (생각보다 정말 맛있는) 음식들을 먹으며 이런저런 얘기를 나누었다. 그러다 친구로부터 브리스톨에 다녀온 이야기를 들었고, 내가 블로그에서 다루는 포스팅들의 주제 - 지속성가능성과 연관성이 많은 것 같아 특별히 게스트 포스팅을 부탁했고 흔쾌히 함께 했다. 열심히 공들여 쓴 만큼 '고퀄'의 매우 유익한 포스트라는 것을 보장드린다! 

He briefly told me that there’s a cool space, abandoned for a long time, which is being revived by the collaboration of artists with governmental support. He will specifically talk about Spike Island which shows a great community vibe between ART and the city. And he ponders about a counter-example in Korea, Hong-dae, which failed to protect and work with artists.

이번 포스트는 '지역사회와 긴밀하게 연결되어 일하는 예술가들과 그들의 공간' 에 대한 이야기이다. 어떻게 예술이 이 도시의 지속가능성에 기여하는지, 또 도시가 어떤 식으로 예술을 지원하고 그로 인해 만들어지는 긍정적인 에너지를 엿볼수 있다. 이 글의 마지막에는 스파이크 아일랜드를 돌아보며 생각이 났다는 한국 젊음과 예술의 상징, 홍대에 관한 짤막한 생각도 함께 있다.

Disused Section of Bristol Harbour Railway, Spike Island., Copyright © Coffinjune

Disused Section of Bristol Harbour Railway, Spike Island., Copyright © Coffinjune

OVERVIEW (FOCUS)

Admittedly, when it was finalised that due to lack of time my trip to Bristol could only involve a narrow strip of land called Spike Island, I was disappointed. To Bristol, Banksy, Portishead, and See No Evil were what popped up in my head, Spike Island was not. Yet by the end of the day, the brief journey proved itself to be a small giant – the discovery on how a city and its community support art and the practical mechanism of how it happens was an eye opener. The infrastructure the local galleries provided to young, upcoming artists was tangible and what was even more fascinating was how the supported art scene, in its thrift, provided back to the community. A few days later, as I sat down and talked to Sosunny about this symbiotic relationship, she invited me to write a few words on her blog to contribute to her piercing theme of sustainability.

학교에서 단체 필드 트립으로 브리스톨을 방문하게 됐었다. 하지만 시간 관계상 스파이크 아일랜드(Spike Island) 밖에 들리지 못한다는 소리를 듣고 매우 실망해있었다. 브리스톨하면 뱅크시(Banksy), 포티스헤드(Portishead), 씨 노 이블(See No Evil)은 기본이 아닌가? 그런데 들어보지도 못한 스파이크 아일랜드만 가게 된다니… 하지만,작은 고추가 맵다고 그때까지만 해도 이 듣도보도 못한 곳이 나의 뒤통수를 때릴 줄은 전혀 상상도 못했다. 

스파이크 아일랜드 지역 커뮤니티가 예술을 적극적으로 지원한다는 점과 더불어, 그들의 프로젝트가 잘 실행되게끔 하는 실용적인 매커니즘들은 나의 시야를 훨씬 더 트이게 해주었다. 도시 곳곳의 로컬 갤러리들은 젊고, 뜨고 있는 예술가들을 실질적으로 도와주고 전반적인 미술/예술 산업을 굉장히 적극적으로 지원하고, 그 예술가들의 활동들이 다시 커뮤니티에 기여하게 하는 좋은 싸이클을 형성하고 있었다. 필드 트립을 다녀온 며칠 후,  소선이가 개인 블로그에서 신기하고도 자극적인 공생 관계에 대해서 우연히 이야기 했고, 블로그 주제와 잘 맞겠다며 게스트 포스팅을 부탁받았다.

Spike Island Gallery, Copyright © ignitebristol.net

Spike Island Gallery, Copyright © ignitebristol.net

Tram Tracks on Pedestrian Road, Spike Island, Copyright © Coffinjune

Tram Tracks on Pedestrian Road, Spike Island,
Copyright © Coffinjune

WHAT IS SPIKE ISLAND?

So first things first. Spike Island is a stretch of land adjoining the city square and forming a part of Bristol’s floating harbour. It used to be a dockyard, and although its flourished days are long past, its remnants are still scattered here and there. Walking along River Avon reveals old, rusty arms of industry hanging over the dockside, and tram tracks interweave on pedestrian pavement, their sediment-filled cracks vividly speaking of disuse. Even when I left the riverside to meander through the suburban area, I still occasionally collided with huge warehouses that store nothing but the essence of a bygone era (that would be the dried scent of tea, timber and dust).

스파이크 아일랜드(Spike Island)는 어떤 도시인가?

스파이크 아일랜드(Spike Island)는 브리스톨의 도시에서 쭈욱 연장된 느낌의 지역으로 브리스톨의 항구 중 하나이다. 옛날옛날 옛적에는 선박시설 구역정도로 쓰였는데 그 잔해들이 아직도 여기저기 남아있는 것을 볼 수 있다. 에이븐(Avon) 강가를 따라가면 항구근처에서 예전의 낡고 녹슬은 산업화 시설물들과 함께, 더이상은 쓰지 않는, 도보와 엉켜있는 트램 트랙들도 볼 수 있다. 강가를 벗어나 교외지역으로 갔을 때조차 아무것도 없는 거대한 창고들과 오래되고 휑한 느낌은 여전했다.

Obviously, the whole place didn’t just succumb to decline. Rather, it did something quite interesting; it invited artists to use the dead space – abandoned rail carts, backwater alleys, bridges, and warehouses. Perhaps that is what gave birth to Bristol’s unique street art movement. But what intrigued me the most was the transformation of an old warehouse into one of UK’s most experimental art space.


그렇다고 이 곳 전체가 이렇게 황량하고 아무것도 없는 것은 아니다. 오히려 더 재미있는 일들이 벌어지고 있다. Spike Island는 이 죽은 것만 같은 도시로 예술가들을 끌어모으기 시작했다. 버려진 레일 카트, 후미진 골목/다리/창고들.. 오히려 이런 환경이 브리스톨의 독특한 거리예술 운동에 밑바탕이 됐을지도 모른다. 하지만 내가 가장 감명깊게 보았던 것은, 영국의 가장 실험적인 예술 공간으로 변한 낡은 창고였다.

Spike Island Artspace is composed of a gallery, a cluster of studio spaces, a café and a wing shared by a local university’s fine art program. It is friendly to local community: the main exhibition space is usually free of charge, and the studio spaces are open every now and then for public viewing. This is what interested me a lot. Since the ‘art studio space’ holds an experimental context typical galleries simply cannot, yet the opportunity for the public to experience artists’ studios is so scarce, Spike Island creating a chance for artists (usually aspiring artists who book for the studios) to directly contact the community is very special. 

The experimental nature of such candid exposure of unfinished art is further explored in yet another unique part of Spike Island – the ‘Test Space‘. This project space is where studio holders can play around with either finished or unfinished work and replace it in the context of a gallery. I took it in as a studio version of ‘print preview’, a safe place for an artist to study how the change of context from a studio to a gallery space can make viewing their work different. The beauty of this space is that it is also open to public; every visitor is a direct witness of the artist at work, his or her thoughts morphing. The emphasis on the process brings the artist, who is often neglected, into the picture, creating more room for the community to discuss, explore, identify, and support.

Spike Island Gallery, Copyright © www.spikeisland.org.uk

Spike Island Gallery, Copyright © www.spikeisland.org.uk

이전에는 큰 차 창고였던 이 스파이크 아일랜드 아트스페이스는 갤러리, 스튜디오(작업실), 카페, 지역 대학의 순수 미술 프로그램과 공유하는 장소로 다양하고 매우 유익하게 쓰이고 있다. 이 예술공간은 지역사회와 굉장히 긴밀하게 활동하고 있다. 주요 전시공간은 무료이고 작업실들은 언제나 대중들에게 공개되어 있다. 무료인데다가 대중과 함께한다는 점이 가장 흥미로웠다. ‘아트 스튜디오 스페이스’ 라는 실험적인 타이틀이 보통 흔한 갤러리에서는 볼 수 없는 것이고, 예술가의 작업실을 대중들이 볼 수 있는 기회는 매우매우 적기 때문이다.

완성되지도 않았을 예술을 대담할 정도로 공개하는 이 실험적인 특성은
테스트 스페이스(Test Space) 라는 곳에서 한층 더 발휘된다. 이 또다른 프로젝트 공간은 작업실 주인들이 완성 및 미완성 작품들을 가지고 갤러리의 주제 및 흐름에 맞춰 이리저리 다양한 시도를 해볼 수 있는 곳이다. 개인적으로 뭔가 ‘프린트 미리보기’의 스튜디오 버젼같은 느낌이었다. 아티스트들이 부담없이, 자신들의 작품들의 의미들이 갤러리의 컨텍스트에 맞춘 전시 스타일에 따라 얼마나 변할 수 있는지 공부하고 실험해 볼 수 있는 좋은 공간이다. 이 공간의 끝판왕적인 매력은 대중에게 공개되어 있다는 점이다. 모든 방문자들이 예술가들의 생각들이 어떻게 작품으로 승화되는지 생생하게 볼 수 있다. 이는 작업의 과정을 중시하게 되고, 흔히 작품에 묻혀 잊혀지는 예술가의 존재를 더욱 부각시킴으로써, 이 커뮤니티가 끊임없이 소통하고 발전하고 지원받을 수 있도록 한다.

Image 1 Spike Island Artspace Main Gallery Space (1). Exhibition on Display: Témoins Oculaires by Isabelle Cordano.
Image 2 Spike Island Artspace Main Gallery Space (2). Exhibition on Display: Témoins Oculaires by Isabelle Cordano.
Image 3 Spike Island Artspace Bookable Studio Spaces (1)
Image 4 Spike Island Artspace Bookable Studio Spaces (2)                          / Images 1-4 Copyright © Coffinjune


From what I gathered, Spike Island Artspace seemed like a system that does well in guiding aspiring artists to the local community; it is an art-friendly space and has a unique mechanism for artists to display art and ideas. But to complete the circle of sustainability, how do local artists support the community back?

스파이크 아일랜드 예술공간은 마치 떠오르는 (지역) 예술가들을 지역사회와 긴밀하게 연결시켜주고 그 관계를 잘 이끌어주는 하나의 시스템같았다.
이 공간은 굉장히미술/ 예술-친화적이고, 예술가들이 자유롭게 활동 및 전시할 수 있는 독특한 매커니즘을 형성한다. 이런 지속가능성의 싸이클을 완성하기 위해서, 이 지역의 예술가들은 어떤 식으로 도시에 기여하고 있는 걸까?

It was marvelous to find the answer in yet another former tea warehouse. The Arnolfini, a three-story hub of contemporary art, practically bombards its locals (and tourists) with its plentiful programs including exhibitions, performances, music and dance events, readings, talks, lectures and cinema. It is Bristol’s contemporary art capital, the eye of the storm to major cultural events such as the recent IBT15: Bristol International Festival (abbr. for In Between Time, whose recent show was, conveniently enough, ‘Enter the Storm’), holding installations and performances such as Fog Bridge by Fujiko Nakaya.

Additionally, Arnolfini runs an online experimental space called project.arnolfini, which is somewhat of a virtual skip containing dumps of resources related to Arnoflini’s exhibitions, be they present, past, or even upcoming ones. All resource can be used by any user to create new works under a copyleft license. project.arnolfini, combined with the gallery’s specialist art book shop, provides easy access to torrents of art resources for the community to use, share, make. It is indisputable that such institution succeeded becoming one of Bristol’s most visited tourist attraction.

그 해답을 또 다른 창고에서 찾았다!
아르놀피니 라는 3층 현대 미술 공간인데, 여기 역시 차 창고로 쓰였었다. 아르놀피니는 엄청난 양의 프로그램들이 진행되기 때문에 지역주민들 뿐만 아니라 많은 관광객들도 찾는다 – 전시, 공연, 음악, 춤, 이벤트, 토크, 강연, 영화 등등. 브리스톨 현대 미술의 중심부이며 브리스톨의 중요 문화행사들은 이 곳에서 대부분 진행된다. (브리스톨 인터네셔널 축제 – 후지코 나카야의 Fog Bridge(안개 다리) 와 같은 전시/공연 등이 열렸다.)

더불어, 아르놀피니는 project.arnolfini 라는 온라인 실험 공간도 진행한다. 아르놀피니의 전시와 연결된 자료들을 가상으로 접할 수 있다. 카피레프트(Copyleft, 지적 창작물에 대한 권리를 모든 사람이 공유할 수 있도록 하는 것)을 지향하기에 어느 이용자들이든지 자기 마음대로 자료들을 사용할 수 있다. 이 프로젝트 아르놀피니 온라인 공간은 갤러리의 북샵과 합쳐져 있어 지역사회가 다양한 예술자료들을 마음껏 이용하고, 공유하고, 만들 수 있도록 한다.

 Fog Bridge, Bristol International Festival , UK by Fujika Nakaya, © www.ibt15.co.uk

 Fog Bridge, Bristol International Festival , UK by Fujika Nakaya, © www.ibt15.co.uk

Street Musicians at Hongdae, Korea, © iloveindi.com

Street Musicians at Hongdae, Korea, © iloveindi.com

Learning of art working as a factor in a circle of sustainability was thoroughly enjoyable. Even outside of Spike Island, excellent art shows that cover all fields of media attract more and more visitors every day. This immediately reminded me of a Korean resemblance – Hongdae, an area in Seoul which was also reinvigorated by the power of art. Artists of Hongdae filled the streets with sound, performances, dance and street artworks. Unfortunately though, they lacked communal support; artists relied on individual talent alone, which proved futile against the logic of capitalism, and they were eventually kicked out of their own studios because the land price raised sharply.

I start to wonder what could have been different if Hongdae had its own Spike Island Artspace, its own safety-net-work for local artists. Pondering on that thought seems like a good moment to
end this piece.

Artists on the Street of Hongdae, Korea, © blog.gm-korea.co.kr

Artists on the Street of Hongdae, Korea, © blog.gm-korea.co.kr

예술이 지속가능성에 하나의 거대한 주체로 기여하고 작용한다는 것은, 미술을 전공하는 사람으로써 실로 신나는 일이 아닐 수 없다. 스파이크 아일랜드 뿐만 아니라 그 주변의 너무 좋은 퀄리티의 예술/미술 전시들은 매일매일 많은 관광객들을 끌어들이고 있다. 한국에도 생각나는 지역이 있지 않은가 ? 

바로 홍대! 예술의 힘으로써 다시금 살아났던 서울의 몇 안되는 지역. 많은 예술가들이 공연, 음악, 춤, 거리예술 등등으로 거리를 가득매우곤 했었다. 하지만 그런 예술가들은 지역사회의 지원을 제대로 받지 못함으로 인해 많이들 무너지고 있다. 오직 그들은 자기의 개인적 재능으로버텨 살아남아야만 했고 당연히 자본주의 시스템은 그리 호락호락하지 않았다. 결국 예술가들로 인해 유명해진 홍대는 땅값이 오르자, 자신의 가장 큰 공로자들인 예술가들을 쫓아내는 꼴이 되었다. 

만약 이 스파이크 아일랜드 아트스페이스와 비슷한 공간이 홍대에도 있었다면, 그래서 지역 예술가들이 보호받으며 일할 수 있었다면, 지금의 홍대는 어떤 모습일까?
 

 

 

 

 

Guest Posting by Coffinjune (Fine Arts, Goldsmiths College, UK)
Sources : SOSUNNYPROJECT.COM 

By So Sun Park
KANA UK Correspondent
(영국=KANA) 박소선 특파원

sosun.kana@gmail.com
sosunnyproject.wordpress.com

Editor: Yein Kwak ㅣ 곽예인 <yein.kana@gmail.com>


Posted
AuthorKA NA

March, 6 2015

INIVA - International Artists In LONDON

I visited INIVA with my friend who studies Fine Arts at Goldsmiths
college. INIVA – Institute of International Visual Arts – introduces and promotes international artists and bring their works to London,
which I thought is very relevant to the idea of cultural diversity (as part of sustainability). 

We looked around a special exhibition of PARK Chan-Kyong and Lina Selandar. It is their first UK solo presentations of selected work, curated by Binna Choi and Lisa Rosendahl. (Lisa Rosendahl is a popular curator,
as she has worked on big artists’ works, according to my friend.)


골드스미스에서 순수미술을 전공하는 친구와 함께 런던 Old Street 쪽에 위치한 이니바(INIVA) 갤러리를 함께 방문했다. 미술하는 친구답게 영국에서 처음
만난 곳이 갤러리. 이니바는 해외작가들의 작품위주로 전시하는 갤러리라고
한다. 우리가 둘러본 전시는 박찬욱 감독의 동생인 박찬경씨의 특별전시였는데
오는 3월 21까지 열린다고 하니 관심이 있다면 Old Street 동네 구경도 할겸
들려보시는 걸 추천!

박찬경씨 작품과 큐레이트된 리나 셀렌더(Lina Selandar)의 작품은 유명한
큐레이터 리사 로센달(Lisa Rosendahl)이 함께 했다고 한다. 영국에서 이렇게 해외작가들의 작품을 들여오는 것이 문화적 다양성에 잘 기여하는 것 같아 글로 담아보고 싶었다. 



EXHIBITION

Historically, Korea has a lot of customs related to shamanism. Park Chan-Kyong’s exhibition (Installation Art) called Pa-Gyong (Last Sutra Recitation) shows these shamanistic rituals — and somehow connect it with political matters in Korea. To be honest, I do not have a great idea about how to interpret this exhibition. This exhibition is more like a collage of his working process and sources of inspirations. It has a lot of videos and audio
installations (of authentic Shamanistic ritual process in Korea), which I could not capture with cameras, so I would recommend you all to visit this interesting exhibition.

파경이라는 제목에서부터 알 수 있듯이 역사적으로 미신, 샤머니즘, 무당과 함께해온 한국의 이미지가 박찬경씨의 전시의 큰 비중을 차지하고 있다. 이런 한국의 관습을 정치적문제와 연관시켰다고 설명이 나와있는데 사실 깊게 분석할 자신은 없다.. 실제로 무당하는 장면을 담은 영상과소리를 이용한 전시들이 있기 때문에 꼭 방문해보길 추천한다.

 

 

My friend (**again, he’s a Fine Arts student, so I basically listen to him when it comes to Art) told me that he enjoys looking at the works in a grand and holistic view, finding the connections between the works, and then he looks into individual ones. It actually works very well and makes your visit to galleries more interesting — sometimes I have no idea how I should understand some art pieces, but his advice was very helpful for my later visits to other galleries like Saatchi or Museum of Childhood.

여태까지 봤던 전시 중에서 가장 흥미로웠던 전시라 해도 과언이 아니라 생각한다. 굉장히 단순하고, 아날로그적이고, 순수한 느낌의 전시였다. 그림 하나하나의 설명을 연필로 쓴 것이 굉장히 인상적이었다. 먼저 멀리서 작품들을 보면서 연계성을 찾고 작품 하나하나를 관찰한다는 친구의 말을 듣고 최대한 그렇게 미술 전시들을 감상하려고 노력중이다. 사실 미술 전시들을 많이 다녀도 도대체 어떻게 이해해야 하는 건지 감이 오지 안을 때가 굉장히 많은데 이 친구의 조언대로 해보니 이후에 미술관/박물관들을 방문했을 때도 나름대로 재미있게
전시들을 즐겼다. 미술 전공자의 말이니 일단 듣고보는 게 상책.

Regarding the way of presentation, this was the most interesting exhibition I have ever been to. Very simple, natural, and analogue. Instead of printing the descriptions, he wrote every single words on the wall with a pencil.

여태까지 봤던 전시 중에서 가장 흥미로웠던 전시라 해도 과언이 아니라 생각한다. 굉장히 단순하고, 아날로그적이고, 순수한 느낌의 전시였다. 그림 하나하나의 설명을 연필로 쓴 것이 굉장히 인상적이었다.

I did not really take that much photos in Lina Selander’s exhibition since it was mostly composed of films. They were quite hard to understand for me, but it seemed like a series of different images (including those from Chernobyl and Hiroshima) converge into her main idea – the desires and failures of modernity. It was mostly about finding the connections between the images.

리나 셀렌더의 전시는 대부분 영상이었기에 따로 촬영을 많이 하지는 않았다. 영상이 조금 난해하긴 했지만 체르노빌, 히로시마 등 이미지들 간의 연결고리를 찾아서 그녀의 메세지를 해석하는 듯한 전시였다. 아래의 설명에 나와있는 이 전시의 주제를 해석하자면 ‘현대화에 대한 갈망과 실패’ 정도가 될 것 같다.


 

SOSUN'S FEED

Why am I including Cultural Diversity into Sustainability? Just wanted to write this down as I talked with my friend about my blog after this visit.

I think sustainability is not just about green but having “harmonious” community as well. As there are more and more international residents in many cities (especially in metropolitan cities), people need to understand each other’s culture and way of thinking. If such learning process is undermined, I think it becomes hard to sustain the community life. Well, yes, this is a looong term idea of sustainability, but I think it is as much as important as green policies.

친구와 이 블로그에 대해서 이야기하던 중 문화적 다양성이 어떤 식으로 지속가능성에 기여하는지에 대하여 이야기하게 되었다. 

단순히 친환경적인 것들만 지속가능성이라기엔 이제 지속가능성은 그 범위를 넘어서고 있다. 로컬 비즈니스들의 활성화를 통한 지역경제 살리기도 그 커뮤니티를 지속하는 데에 중요하기에 지속가능성에 기여한다고 볼 수 있는 것처럼, 다양한 인종과 문화를 가진 사람들이 한 도시(특히 메트로폴리탄 도시들)에 모이는 것이 낯설지 않은 이 시대에 서로의 배경을 알아가는 것만큼 좋은 의사소통은 없다고 생각한다. 그러한 배움의 과정이간과되어서 서로를 이해하지 못하고 존중하지 못하는 공동체가 된다면 결코 그 안에서의 생활은 지속될 수 없다는 생각이 들었기에 문화적 다양성이 장기적 관점에서 지속가능성에 꼭 필요하다고 느꼈다.

 

By So Sun Park
KANA UK Correspondent
(영국=KANA) 박소선 특파원

sosun.kana@gmail.com
sosunnyproject.wordpress.com

Editor: Yein Kwak ㅣ 곽예인 <yein.kana@gmail.com>

Source: http://wp.me/p5AZPi-7x
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AuthorSo Sun Park